导演功课《关于导演功课的笔记~》

艺术家的任务是把最简单的技术学得完美，而不是去学太多的技术。如此才可以使困难的事变得容易，容易的事变成习惯，习惯的事因此可以变得更加美妙。

安东尼·特洛普：“没有故事要说的人是最快乐的。”然而没有人明白这故事为何没有说出来，还是到底就是——没有故事。搞得很头痛。

故事是主角在追逐他的目标时，发生在他身上的所有重要事件的演进。一个人不需要能看才能写故事，他需要的是能思考。这个对初写电影剧本的人来讲是个实实在在的导言。

剧本写作包括几个问题;主角是什么？（马梅没说是谁）（WHAT）

是什么在阻碍他获得这些需要的满足

如果他没有得到这些需要的话，他会发生什么事？

多简洁的概述！似乎小学生都可以轻而易举地理清这些简易的因果逻辑，然而又会难免会怀疑到它的指导作用的可行性。不可能不被质疑。马梅自己也是这么说。

马梅引用了爱森斯坦对蒙太奇理论的简明解释：透过一连串影像的并置，借着镜头之间的对立在观众心底所引起的反应，来将故事往前推衍。

“Between shot and movie”，导演应该把最重要的东西放在“场（scene）”上。

不用叙述文句就无法拍的部分一定是不重要的：观众需要的不是资料而是戏剧。它可以作为编剧者舍弃和取用哪些情节或者故事的标准么？也许它只是马梅在执导的同时得出的tips，但是值得大家去重视，而我是准备试用一次了。

电影和梦一样，都是一些影像的并置。并置，我一直没有太注意这个词汇，现在依然思考得一团浆糊。

他举出了一本Sigmund Freud（西格蒙德·弗洛伊德）的《The interpretation of Dreams》（《梦的解析》），布鲁诺·贝特尔海姆的《魔法的种种用法》，卡尔·荣格的《记忆、梦、映像》，并且提出了一个小问题：电影到底应该像梦像到什么程度才算是好电影？

丢弃“跟着角色走”的拍电影方法。我要依据这场戏的意义而不是这个场合的外貌，来陈述我对这个场合（事件）的看法。貌似整体意识处处存在。

是主角的目的让我们留在戏院的位置上。

绝对没有角色性格这回事，角色只是一些惯性动作的集合体。“角色”是一个人在追求他想要的目标时所采取的所有动作。

将观众放到与主角相同的境况去，让他们保持高度的好奇心去想：接下来会发生什么事。

重点不是“故事发生在哪里？”，而是“这个故事要谈的是什么？”加以补充的是斯坦尼斯拉夫斯基（Stanislavsky）的话：我们不必要因为它们是陈词滥调而感到羞愧。

我们应该保留更多讯息：K.I.S.S标准让镜头Keep it simple，stupid.

不以角色。而是以动作来衍伸剧情，讲述故事。Alfred Hitchcock：American film are pictures of people talking.

不管是用笔或用剑，必须先思考哪一个离目标更近，就选哪一个，而放弃另一个好像比较可爱或有趣的点子，以及绝对得抛弃那些有“特殊个人意义”的点子。编剧的责任不是制造冲突或混乱，相反的是制造次序。单镜头承载的东西愈多，要表现的愈多，它的力道在剪接时会更弱。

麦高芬（MacGuffin）。马梅评价希区柯克的这个道具时说，麦高芬对观众而言是非常重要的东西。估计希区柯克也会同意这么说，然而他还会说另外的一大堆，比如我们认为的麦高芬的起源是模糊的……但是大家用的时候都很积极……

要达到把故事说完了，没有故事可说的至福境界。

没人会注意电影里的招牌，招牌等于导演承认自己拙劣的设计（再次强调）电影导演的功课是借由不相干的镜头之间的并置来说故事。观众心底永远想知道的是：接下来回发生什么事？

用最直截了当的动词与副词就是一个导演教演员演戏的法宝。

你不必用对白来叙述剧情。 默片！

“导演，摄影机该摆哪里？”Re：“那里。”“把摄影机摆在能让故事继续下去，且镜头之间毋须有任何相关的地方。”

人物在舞台上将动作愈简单化愈好。所有导演都应该多多研究神话故事。选择电影镜头的艺术就在于不要急着让自己把故事说清楚。不用说明来开场，而是想办法让观众参与。

两个理由等于没有理由。

把电影拍得很美不是你的功课，你的功课只是将影片拍得与你的第一原则一样符合正确。